Nimbo
_'creer que un cielo en un infierno cabe...' _
 
Roberto Calasso distingue entre el estudioso de la filosofía, philosophos, y el enamorado de los mitos, philomythos, siendo ambos parte del estupor que genera el conocimiento que nos rodea; aunque sólo el último permanece en él, sorprendido y maravillado, como miembro de una tribu encandilada que aparece y desaparece como las olas del mar, y cuyos miembros incluyen a los poetas Pindaro, Hölderlin y hasta al mismo Homero. Pues bien, Chacón vendría ser un philómythos atípico: un enamorado del albor de los tiempos, del éter y del simulacro, que combina lo intrincado de lo ignoto con la pericia personal con el embelesamiento confidente en la máscara del dios Momo. Como un artesano, labora capa a capa el significado de sus piezas, desde la quilla al costado.

El mythos que construye Rafael Chacón alude al tò theîon, a lo divino, a lo celestial, a aquello que está en el limbo, que colinda y es fronterizo, que transita y es transición, y transmuta el mundo de las ideas, quieto y en estado contemplativo, en la aquiescencia de lo narrativo a través de lo cerámico y lo material. En este sentido, la dualidad entre entidades celestes materiales y lo telúrico del fuego fraguador que se cristaliza en una obra etérea y nubosa, cargada de tintas y humos que se hermanan con su tradicional discurso colorido y tridimensional.

El trabajo de Rafael Chacón se caracteriza por ser especialmente imaginativo, dentro de un universo personal que se nutre de temas mitológicos y pasajes personales, en donde la tendencia contraria, pero barroquizante, a jugar con lo evidente de la pieza se complementa con las experiencias vitales del autor, que invita a rellenar los espacios con la interpretación personal, puesto que la obra nunca está terminada hasta que el destinatario posa su mirada en ella. En términos generales, se puede definir como un artista que se mueve dentro de lo onírico, surrealista y la narración no-lineal por la presentación envolvente de las figuras, antropomórfica, cargadas de símbolos propios y de gran fuerza identificatoria, como las cabezas geométricas, los efebos de piel suave y la naturaleza petrificada.

La presente exposición escenifica su personal entendimiento de lo celestial, frente a los mundos flamígero, ctónico y boscoso. El universo de las alturas se vive como un limbo habitado por seres alados y angelicales, y evocaciones del ideario terrenal, como una espejización de lo que precede y procede, evocando lo que se mantiene y aquello que deviene al cambio. Como los cielos son el campo donde pastan las nubes, y los promontorios desde los que se yerguen sus bucólicos habitantes para otear el paradójico horizonte, la luz y la pureza de amplio abanico cromático pueblan la puesta de escena chacónica. Nimbo significa nube: nube grande y grisácea cargada de lluvia, nieve o granizo; pero también equivale a la aureola, el círculo de luz que portan las imágenes sagradas, aquello que es tocado por la gracia de lo divino, de lo celeste.

_'Creer que un cielo en un infierno cabe, dar la vida y el alma a un desengaño; esto es amor, quien lo probó lo sabe.' (Lope de Vega)._ _(Jesús Reina Estévez, 2025)_      
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Nimbo. RAFAEL CHACÓN


**La intimidad del espectáculo.**
**Colectivo Fama**.
**Artistas:** Alba Blanco. Bianca de Vilar, Claudia Frau, Dámaris Pérez Delgado, Elena Pedrosa, Esther Pita, Gladys Farias, Laura Brinkmann, Lia G; Marichu López, Noelia García Bandera, Sara Sarabia y Victoria Abón.

En la era digital, la intimidad se ha convertido en un espectáculo público, un escenario donde las identidades se construyen y deconstruyen a través de las imágenes. El Colectivo Fama, a través de su exposición fotográfica, nos invita a sumergirnos en este complejo universo donde lo personal y lo colectivo se entrelazan.
A través de una serie de dípticos, las artistas exploran la noción de lo privado en un mundo donde la imagen es moneda corriente. Utilizando el espejo como eje central, tanto como objeto físico que refleja nuestra apariencia como concepto que simboliza nuestra autopercepción, las obras nos confrontan con la fragmentación de la identidad en la era digital.
Al igual que Guy Debord señalaba en "La sociedad del espectáculo", las imágenes no son meras representaciones, sino que median nuestras relaciones sociales. En este sentido, la intimidad, al ser representada y compartida en línea, se convierte en un nuevo modo de interacción. Paula Sibilia, por su parte, profundiza en esta idea al hablar de la disolución del "homo privatus". El sujeto individual, en busca de reconocimiento y conexión, proyecta su privacidad en las pantallas, fragmentando su yo y conformando nuevas subjetividades moldeadas por las miradas ajenas.
Las artistas del Colectivo Fama, conscientes de esta realidad, han creado piezas que invitan a la reflexión sobre esta compleja relación entre la intimidad y el espectáculo. A través de sus fotografías, nos preguntamos: ¿Hasta qué punto estamos dispuestos a compartir nuestra intimidad? ¿Qué ganamos y qué perdemos al hacerlo?
Además de las obras individuales, las artistas han colaborado en la creación de una imagen colectiva, un mosaico que representa la deconstrucción identitaria a la que la exposición invita a reflexionar. Esta pieza, resultado de un trabajo conjunto, simboliza la unión de individualidades que, al compartir sus visiones, construyen una nueva forma de comunidad.
Al adentrarnos en este universo visual, nos encontramos con un reflejo fracturado de nuestras propias identidades. Las creadoras nos invitan a cuestionar nuestras prácticas de autorrepresentación y a reflexionar sobre el impacto que las tecnologías tienen en nuestra percepción de nosotros mismos y de los demás.
Las artistas participantes que forman parte de Colectivo Fama y que han hecho realidad este proyecto son: Alba Blanco; Bianca de Vilar; Claudia Frau; Dámaris Pérez Delgado; Elena Pedrosa; Esther Pita; Gladys Farias; Laura Brinkmann; Lia G; Marichu López; Noelia García Bandera; Sara Sarabia y Victoria Abón. _(Sara Sarabia, febrero 2025)_



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La intimidad del espectáculo. COLECTIVO FAMA

_Gorquis de Paco Aguilar_

Recuerdo la primera vez que entré en el taller Gravura. Las paredes estaban repletas de obras de Paco Aguilar que parecían cobrar vida ante mis ojos. Destacaban por su fuerza y singularidad y sus personajes, enigmáticos y cargados de simbolismo, me invitaban a un viaje introspectivo. Paco Aguilar es un artista incansable. Para él, el arte no es solo una pasión, sino una forma de vida. Trabajar, experimentar, inventar: estas son las palabras que mejor definen su quehacer artístico. No tiene miedo a los materiales, los manipula con destreza y los combina de maneras insólitas. Su maestría técnica se pone al servicio de una creatividad desbordante que lo lleva a explorar nuevos territorios y a romper las barreras establecidas, lo que ha hecho que este artista malagueño haya dejado su impronta en el panorama artístico contemporáneo.

_Gorquis_: un viaje introspectivo a través de la obra de un maestro.

La presente exposición, Gorquis, nos sumerge en el universo creativo de Paco Aguilar. A través de una cuidada selección de piezas, el artista nos invita a un recorrido por su producción, caracterizada por una constante búsqueda de nuevas formas expresivas y una profunda reflexión sobre la condición humana. En _Gorquis_, Aguilar nos revela un imaginario personal y onírico, donde la naturaleza y la figura humana se entrelazan en una danza poética. A través de paisajes irreales y figuras híbridas, el artista nos invita a reflexionar sobre nuestro lugar en el mundo y nuestra relación con el entorno. La riqueza técnica utilizada en estas obras, que combina el grabado con otras técnicas como la pintura y la escultura, confiere a las piezas una gran riqueza visual, invitándonos a explorar cada rincón de sus composiciones.

Un universo simbólico, entre la ingenuidad y la complejidad.

Los personajes de Aguilar son seres híbridos que desafían las categorías tradicionales. Animales y humanos se fusionan dando lugar a criaturas fantásticas que encarnan nuestros miedos y nuestros deseos más profundos. Su obra oscila entre la ingenuidad del arte Naïf y la complejidad de El Bosco, invitándonos a un viaje a través de mundos mágicos y oníricos, donde lo cotidiano se transforma en lo extraordinario. Al contemplar sus creaciones nos enfrentamos a un primer momento de extrañeza, pero pronto somos cautivados por su belleza y su originalidad.

La obra de Aguilar trasciende los límites de un solo medio.

Sus creaciones, como semillas que germinan y se multiplican, habitan en múltiples dimensiones. Un personaje nacido de un boceto en papel puede luego materializarse en una pieza tridimensional, desde una escultura de bronce hasta una delicada cerámica, pasando por la madera, el yeso o incluso materiales reciclados. Esta capacidad de transitar entre diferentes formatos revela un universo artístico expansivo, donde las ideas fluyen libremente entre lo físico y lo intangible. Su trabajo nos invita a explorar un lugar donde las fronteras entre lo real y lo imaginario se difuminan, anticipando las posibilidades infinitas que ofrece la práctica contemporánea.

_Gorquis_ es una exposición que nos invita a un viaje sensorial y emocional.

A través de sus obras, Paco Aguilar nos muestra la belleza y la complejidad del mundo que nos rodea y nos hace reflexionar sobre nuestro papel en él. _( Por Sara Sarabia. Nov, 2024 )_
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Gorquis. PACO AGUILAR

'Después de andar siete días, a través de boscajes, el que va a Baucis no consigue verla y ha llegado. Los finos zancos que se alzan del suelo a gran distancia uno de otro y se pierden entre las nubes, sostienen la ciudad. Se sube por escalerillas. Los habitantes rara vez se muestran en tierra: tienen arriba todo lo necesario y prefieren no bajar. Nada de la ciudad toca el suelo salvo las largas patas de flamenco en que se apoya, y en los días luminosos, una sombra calada y angulosa que se dibuja en el follaje. 
Tres hipótesis circulan sobre los habitantes de Baucis: que odian la tierra; que la respetan al punto de evitar todo contacto; que la aman tal como era antes de ellos, y con catalejos y telescopios apuntando hacia abajo no se cansan de pasarle revista, hoja por hoja, piedra por piedra, hormiga por hormiga, contemplando fascinados su propia ausencia'. (Ciudades invisibles de Italo Calvino)
 
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Invisible cities. SECALL

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Deriva de azul. MARIA MORENO

INTERZONA 
 
Lo primero que supe de Juan Escudero (Bilbao 1966) fue que su interés estaba enfocado en el espacio entre las líneas que forman la obra en su totalidad, como leer entre líneas. Me enfrenté a su trabajo de cerca; palpando los papeles suaves, ligeros y los grandes formatos grabados al aguafuerte. Justo al instante, llegó la fascinación por el movimiento de su obra, por su similitud con las olas del mar, con los gráficos de frecuencia y, sobre todo, con la cercanía a la topografía y los diseños digitales de los años 70 y 80 del siglo XX. Paisajes oníricos y tramas naturales. Una obra alejada del figurativismo, un juego de tramas infinitas que ofrece, sin pretenderlo, curiosas visiones reconocibles del mundo que nos rodea. 

Leer entre líneas, para mí, consiste en no quedarme en la literalidad de la realidad, en buscar más información de la que se me ofrece, en investigar más allá de lo que ven mis ojos y escudriñar otras realidades que, aunque lejanas o poco probables, ofrecen un significado distinto. En definitiva, no quedarme con la línea argumental y descubrir qué hay de verdad en las cosas. Entendí que el artista no realiza un simple trabajo plástico, sino que utiliza la línea como guía y que el resultado final de la obra no es más que un metódico proceso de búsqueda de libertad. 

La obra, en_ Interzona_, bien podría tratarse de una consecución de números primos o decimales del número Pi, en la repetición constante de un trazo simple e inagotable que puede multiplicarse hasta el infinito. Un acto que, más allá del objeto artístico, es el resultado de una obsesión y una fijación consciente del artista hacia la repetición; un mantra manual que nos permite soltar la imaginación y explorar formas reconocibles desde un punto de vista artístico. El arte de la repetición para alcanzar la perfección. El secreto de grandes pensadores, filósofos, escritores y artistas. El acto de repetir que perfecciona nuestro oficio y libera nuestra mente. Un proceso de crecimiento natural que no sabes a dónde te llevará, por el que transitas sin mayor pretensión que la de hacer, hasta que se alcanza el límite o te visita el cansancio. 

Y aunque el resultado final de su obra pueda inducirnos a pensar en procesos novedosos, su método de trabajo es el grabado calcográfico. Juan dibuja sobre la plancha de cobre barnizada para proceder después al grabado de las líneas y es, más tarde, en la estampación cuando se aleja del grabado en hueco y recurre al entintado en relieve. Con esta manera de aplicar el color, no mancha las líneas que conforman la trama y consigue el volumen característico en estas obras, creando la ilusión de estar delante de estelas marinas, desiertos de sal o paisajes topográficos de planetas inexplorados. 

Como para muchos de vosotros, para mí Juan era un completo desconocido hasta ese primer contacto que tuve con su obra. A partir de ahí la fascinación hacia su trabajo y la admiración por su perseverancia y su paciencia que me llevan a replantearme la cantidad de prejuicios históricos que nos envuelven y nos alejan de la sorpresa. Con los años perdemos la curiosidad y la capacidad de asombro para encontrar belleza fuera de nuestra rutina. Un mundo en el que vivimos que se ofrece encorsetado y delimitado, en el que hasta el arte se subyuga al dogma absurdo de unas reglas, no escritas, que definen de qué manera debe expresarse un artista. 

Ante la obra de Escudero, aumenta la capacidad de asombro que nos hace humanos y permite la licencia de soñar para entender que lo que vemos no es siempre la realidad; aunque nos quieran contar otra historia. _(Roy Laguna, febrero 2024)_
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Interzona. JUAN ESCUDERO

Podríamos decir que el arte es el reflejo del pensamiento y vivencias de los artistas. Sus obras son una crónica de su tiempo y circunstancias, con los que crean espacios irreales, que invitan a la reflexión. Un acto de generosidad que nos transforma y nos permite acceder a su mundo libremente. 

Un mundo, el de Esa Riippa, lleno de escenas cotidianas, que nos acerca a nuestras propias vidas desde una ventana ajena. La capacidad de Riippa para crear imágenes universales conlleva un ejercicio de crítica poética sobre la sociedad de consumo, el trabajo, la producción en exceso y la desconexión absoluta con la naturaleza. Una naturaleza que representa, en el exterior, con espacios abiertos ajenos a la presencia del ser humano y en sus estampas de interior, donde la naturaleza forma parte del objeto.  Surge la soledad contemplativa, esa que nos permite observar el mundo y nuestro comportamiento, y se mezcla con la obligatoria, esa otra soledad que nos convierte en esclavos del tiempo y nos hace dudar sobre si las jaulas que nos rodean están ahí para protegernos o para defendernos. 

Pero, además, el artista tiene la capacidad de crear espacios mágicos, casi de cuento de hadas moderno, en el que bonsáis, peceras sobre mesas de salón, bandejas con fruta o jarrones que descansan sobre las mismas hojas secas que un personaje trata de barrer, vienen a advertirnos de la necesidad de cuidar el entorno. Una delicada y sutil manera de enfrentarnos a una realidad que tratamos de ocultar: disfrutar de la belleza de la naturaleza en pequeñas dosis y dentro de casa. 

La maestría del artista en el uso de la luz nos permite contemplar detalles de color y texturas en esos espacios abiertos que nos muestra; lugares que nos emplazan a ser sencillos espectadores de los acontecimientos, como si el mundo se hubiera detenido sin saber cuándo volverá a ponerse en marcha. Un juego, el de este maestro grabador, entre aguatintas, que difuminan la luz exterior,  y tramas de aguafuerte, donde anidan sombras y fondos.  

Frente a la belleza de la obra de Riippa, surgen las preguntas. ¿Somos simples espectadores o nos convertimos en partícipes de la realidad que nos muestra? ¿Qué hacemos para sentirnos felices? ¿Lo somos o preferimos pensar que lo somos? Qué duda cabe de que el humor, con el que el artista presenta esta realidad incómoda, consigue acercar su obra al espectador sin posicionamientos, ofreciendo la posibilidad de replantearnos nuestra desconexión con el mundo que nos rodea. 

Hoy en día, donde la belleza se presenta en una realidad paralela y virtual, la obra de Riippa se convierte en un oasis visual, donde la belleza estética de las obras nos adentra en nuestras propias debilidades: el arte como bálsamo del alma y como azote del pensamiento. (_Roy Laguna. Enero 2024_)
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Obra Gráfica. ESA RIIPPA

Javier Roz

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**Weymouth**
1816 fue el año sin verano. La erupción del volcán Tambora y una anómala actividad solar sumieron todo el hemisferio norte del planeta en un verano invernal. Heladas de junio a agosto, lluvia, oscuridad, cosechas arruinadas y motines a causa de la hambruna. No es de extrañar que el 16 de junio, de ese año, en la Villa Diodati (Suiza) alquilada por Lord Byron, esa noche (que duró tres días) surgieran dos personajes icónicos de dos mentes brillantes: el vampiro, de Polidori, y Frankenstein de Mary Shelley.
A consecuencia de la atmósfera sulfurosa, ese mismo verano en la bahía de Weymouth, al Sur de Inglaterra, el pintor John Constable pinta una serie de lienzos de esa bahía. Unos paisajes inusuales que perduran en el tiempo, como crónica visual de los efectos atmosféricos de aquel año. Este es el punto de partida de la exploración plástica de Javier Roz en esta exposición, con la que reflexiona sobre el espacio-tiempo.
Si rescatáramos las obras de Constable y la trajéramos a nuestro tiempo, Javier sería la versión tecnológica de aquellos paisajes del siglo XIX. Sin embargo, Roz no quiere mostrar tan solo un paisaje. Él quiere que nos perdamos en el espacio y en el movimiento, y que sean nuestras propias experiencias las que se identifiquen con los personajes que presenta. Desde la distancia paisajística, los horizontes de Roz nos resultan cercanos. Nos obligan a descomponer la luz, a percibirla transparente, y a aprender de la oscuridad. Desde el aquí, en este momento, la visión de un espacio se complica con historias que sucedieron y que no nos pertenecen. Personajes que visitaron ese mismo lugar y nosotros, que nos acercamos a ellos desde la distancia física, ya sea a través de un cuadro o de Google earth. ¿Cuál es la diferencia? ¿Existe una diferencia?  Javier se permite la visita virtual a un espacio desconocido y cercano, al mismo tiempo. La lejanía del lugar, frente a nosotros, y las historias, todavía sin relatar, que se funden con las ya acontecidas. En palabras del autor: “lo que Constable pintó, lo que yo veo, a lo que miro y cómo, el pasado, lo imaginario, lo que nos sugiere y adónde nos lleva...”
Con un punto de partida en el que un personaje entre dos árboles nos indica el camino, una postal y un mapa nos ofrecen un relato ficticio con personajes desdibujados que una vez tuvieron el protagonismo. Playas sin mar y sin arena, disturbios medioambientales, la despreocupación desde la distancia, barcas y personas en la orilla que van o vienen, entre un viaje en el tiempo y el espacio que se congela.
Y el color. El uso del color en la obra de Roz. El movimiento de los elementos mediante un uso exquisito del color, líneas rectas y la desfragmentación de la luz.
Pintura, fotografía, óleo, pastel y grafito son las herramientas de Roz para continuar haciéndonos reflexionar sobre la relación entre seres humanos y naturaleza. Los espacios no cambian, se modifican.  Las personas cambian, y sus historias modifican los espacios.
_Noviembre 2023, Roy Laguna_
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Weymouth. JAVIER ROZ

_Pάντα ῥεῖ / Panta rei: las fantasías letristas de Caterina De Nisco_

El alfabeto es el origen de todo: "En el principio era el Verbo, y el Verbo estaba con Dios, y el Verbo era Dios" (Jn 1,1). La palabra, el logos, es por tanto de naturaleza divina: y con ella, antes que ella, el signo, la letra que la compone. Por supuesto, se dirá, el Libro de los Libros -la Biblia- sólo pudo celebrar ante todo la escritura: la Verdad sólo es tal en el momento en que se transcribe, asumiendo una formulación gráfica que eterniza la dimensión efímera de la palabra hablada. Pero toda la historia de la humanidad, de las civilizaciones que se han sucedido desde la más remota antigüedad hasta nuestros días, es una historia de lenguas, de signos, de códigos comunicativos. No hay cultura sin código: alfabético, visual, sonoro, numérico, mímico-gestual... los signos manifiestan pensamientos , sentimientos, nociones y estados de ánimo, rompiendo el aislamiento del individuo, abriéndolo a las relaciones afectivas y sociales. La naturaleza y la complejidad de los signos han dado lugar a disciplinas especializadas, como la semiótica y la semiología, pero su plena comprensión invade la antropología y la cultura en el sentido más amplio y comprensivo del término, la lingüística, la filología, la literatura, las artes, la religión, la música, la psicología, la sociología, la filosofía y las ciencias. Los signos pueblan no sólo la comunicación externa, no importa a través de qué medio o lenguaje se exprese, sino también -y sobre todo- la imaginación: la interioridad es como un cielo nocturno tachonado de signos, imágenes, palabras, sonidos, visiones, emociones...
La inspiración más profunda de Caterina De Nisco se nutre de esta dimensión fecundamente creativa e imaginativa de los signos: su Abbecedario es un laberinto abarrotado y alegre, un vórtice dinámico y arrollador, lleno de energía y vitalidad, un canto a la imaginación y a la vida. Las letras de la artista, aún joven pero ya marcada por una personalidad madura y una poética original y reconocible (señal, todo hay que decirlo, de un auténtico talento) encierran en su perímetro un frondoso e inextricable bosque de formas. Las formas creadas por Caterina viven, o más bien nadan, en un mundo bidimensional, un espacio-tiempo líquido y "amniótico", en el que no rigen la gravedad ni las leyes físicas del mundo real. La libertad de acción es total y circunscrita al mismo tiempo: el límite de los contornos de cada letra es un umbral infranqueable, que satura signos y formas en su interior en un horror vacui anárquico y regulado. Las animadas letras de De Nisco recuerdan las magníficas iniciales a toda página y las coloridas miniaturas de la Alta Edad Media en los ámbitos insular (angloirlandés) y mozárabe (ibérico), rebosantes de energía encauzada dentro de retículas geométricas que, sin embargo, no amortiguan, sino que amplifican la irrefrenable vitalidad que circula en ellas como la linfa o la sangre. El Abbecedario de Caterina no es sólo un mosaico de formas abstractas o sin formas - en el que pueden leerse referencias que van desde los mosaicos hasta el Informalismo-, sino también, y sobre todo, un fértil bestiario de fantasía, digno de la naturaleza visionaria de un Bosco y de sus admirados maestros, más y menos recientes, de la ilustración y la gráfica: figuras humanas y animales cohabitan con criaturas irreales pero no por ello menos vivas y palpitantes, en una imagen del cosmos como caos primordial, como un eterno Big Bang transfigurado y aligerado por los medios del arte - las formas grabadas, raspadas, entintadas y coloreadas de diversas maneras sobre papel, un soporte amado y exaltado por la artista.
El mundo de Caterina es un mundo plural, colectivo, donde cada uno es un extra fugaz y efímero y nadie cuenta más que los demás, ni puede intentarlo, ni siquiera presumir de ello: en esto, el Abbecedario es una sana respuesta y un antídoto contra el individualismo, el narcisismo y el subjetivismo que imperan hoy en día. Un mundo igualitario, donde seres humanos y animales, naturales y fantásticos están todos en pie de igualdad, gotas de un océano que sólo en su conjunto desordenado y festivo vive y prospera.

_Gerardo de Simone. Profesor de Historia del Arte, Academia de Bellas Artes de Carrara, Italia_

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Abecedario. CATERINA DE NISCO

_‘Grávida’ significa plena, llena de cosas. _

Es un trabajo de relato de experiencia y fototerapia personal en el que incluyo la imagen autorreferencial y el autorretrato para expresar las fases de mi deseo y frustración ante la búsqueda de la maternidad.

En un momento de mi vida que coincide con una actividad profesional y creativa frenética, comienzo a realizar fotografías que acaban describiendo mi proceso y activando simbólicamente en mi consciencia aprendizajes y emociones. 

En una fase inicial del trabajo, muestro un momento personal de duelo a modo de vómito. 
Luego me hago consciente de que el instinto y la deriva son las únicas maneras de recuperar el cuerpo y la vida, convirtiendo la creación fotográfica y artística en una suerte de inventario de presencia, un ritual íntimo que me sitúa poco a poco en mi imaginario vital primigenio, desnudando capa a capa la coraza adquirida durante años. 

La finalidad de 'Grávida', más allá de la catarsis personal, es exponer visualmente una circunstancia que a menudo se vive en silencio, se instrumentaliza en manos externas
 y se siente como fracaso en vez de como oportunidad. Pretendo señalar otro camino posible que transitar para dar luz a lugares de encuentro y reflexión acerca de nuestro autocuidado en la sociedad que sufrimos.   

'Grávida' es una experiencia de libertad surgida a través de la fotografía como herramienta personal para la hermenéutica del alma. Un proyecto que es al mismo tiempo nuestra vida y que nos ha permitido articular una nueva esencia, dar forma a la rutina del vivir cotidiano y descansar de la autoexigencia en el devenir del flujo autopoiético de lo sencillo. 

Porque estamos plenos, llenos de cosas que nutren nuestra vida. 

_Elena Pedrosa, 2023_.

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Grávida. ELENA PEDROSA



May Herman. Semiótica del papel. 
Palabras/enigmas. ¿Qué? Se preguntan los papeles de May Herman. La interrogación se revela de su fragilidad fabricada para interpelar con enigmática contundencia. Rastreamos otros trazos ensimismados de escritura en pequeños fragmentos de papel, de líneas escritas a mano con la delicadeza de quien no desea herir el soporte ni desvelar pensamientos. Solo visibles para la mirada escrutadora. Sutiles misivas que reclaman el paso detenido. Solo para invocar la naturaleza diversa de la creación. Únicamente para sugerir que sus caminos nos harán deambular. Y susurra. Queda mucho por escribir…
Papeles/encuentros. Sin embargo, sus composiciones no necesitan de palabras para expresarse. El método de trabajo delata que es el proceso creativo el que va marcando las pautas. La autora trabaja sin planteamientos previos, armando formas en el devenir de la propia labor. Los encuentros con el material resultan elocuentes y decisivos en el proceso. Herman se deja seducir, guarda y mima cada lámina, cada retazo, cualquier fragmento. Recorta, reutiliza, rasga, pega, encara, superpone, trenza y teje —utiliza también telas y encajes— las diferentes calidades, procedencias —reutiliza grabados y plásticos—, texturas, tonos, densidades, transparencias y resistencias. Como la directora de orquesta o la coreógrafa conoce y respeta las naturalezas singulares, las hace brillar y deja que sus potencialidades afloren, para luego incitarlas a dialogar. Entonces ocurre la magia de la poética de sus mundos de papel.
Formas/signos. No es difícil imaginar a la artista absorta en una labor paciente, de gran pulcritud, sutil y preciosista, y, al mismo tiempo, decidida, valerosa, casi dolorosa. Construir un universo pleno de lirismo supone estar alerta. Y con ello las ideas surgen y encuentran morada, se encarnan, se “reconocen”. Las formas se convierten en signos de una grafía particular con alcance colectivo. Las composiciones abstractas ordenan un aparente caos, sujetas en cuadrículas o trenzados; los perfiles ondulados o redondeados excavan oquedades de profundidad insondable o simulan organismos y paisajes corporales íntimos; en otras ocasiones, las intervenciones dejan huellas de marcas e incisiones que figuran heridas. En este sentido, resulta significativa su formación disciplinar diversa, en psicología y bellas artes, así como el desempeño de una labor pionera como psicóloga en el Centro Asesor de la Mujer. Al final, todo el recorrido vital encuentra su acomodo y la línea de los tiempos se difumina haciéndose presente. Estas cartografías explícitas o referenciales del cuerpo y de la psique de las mujeres ahondan en aspectos culturales y biológicos ineludibles y abordan cuestiones básicas de las agendas feministas. Bajo la apariencia de una estética depurada y limpia se puede esconder abyección y oscuridad. Un arma de doble filo que las mujeres conocen y padecen. Esas capas de formas significantes aluden conscientemente a la disparidad por género, a los cruces de roles asociados y a los caracteres vinculados a la construcción de la feminidad y, también, conjugan referencias a la violencia y la opresión, la depresión, el acoso o la violación. 
Compromiso/placer. Hablamos de las artes, mientras disfrutamos de las confidencias, de las risas y de los intereses compartidos. No resulta contradictorio. El placer sentido se contagia porque el compromiso de May Herman también lo es con la creación artística y pasa por el disfrute. La artista se inscribe en una genealogía que ha desbordado las jerarquías de los soportes, de los géneros y de las categorías de las labores artísticas realizadas, tradicionalmente, por mujeres. La historiografía feminista ha reforzado esta subversión fundamental. Por ello Herman, mujer, artista/artesana, mediadora y experimentadora, concibe su obra en la necesidad de la revelación sin renunciar al goce. Resulta sugerente pensar en la artista cultivando los sentidos cuando trabaja, desplazándose suavemente por las superficies lisas o rugosas, recorriendo las líneas rectas para abordar los relieves y sucumbir a los huecos. La laboriosidad de sus manos debió extraer sonidos de los papeles manipulados, a pesar del cuidado exquisito. La pulcritud y elegancia de los tonos de blancos inundan la pupila, y se interrumpen con manchas rojizas como flores de sangre, o una fina pero incisiva línea negra. Sin placer no hay creación. Quizás el dolor se pueda conjurar.

Belén Ruiz Garrido. Universidad de Málaga. Instituto Universitario de Investigación de Género e Igualdad (IGIUMA). Proyecto I+D Desnortadas












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Semiótica del papel. MAY HERMAN

Mari García


‘Creo que las decisiones individuales se toman en la zona de detención.  

En el mundo hay personas que tenemos prisa en todo momento, no paramos, vivimos sin entretenernos con nimiedades y procuramos estar siempre muy ocupados para que el tiempo no se nos escape. Andamos sin darnos tregua pues nos sentimos desorientados cuando no tenemos nada que hacer.

Malgastar el tiempo o aprovecharlo al máximo da una idea de cómo tomamos la vida

La exposición ‘Zona de Detención’ nos lleva a un espacio de pausa y descanso, lugar idóneo para el deseo y el erotismo, para la imaginación, el juego y el pensamiento.

En esta línea parte de las obras que se presentan son dibujos de carácter erótico, otros representan distintas escenas, como el impreso a escala real y en el cual una muchacha carga sobre sus espaldas a otra, mientras se desplaza sobre una sola rueda, en un verdadero acto de malabarismo. La exposición cuenta también con 9 grabados calcográficos realizados por la artista en el Taller Gravura, estos hacen referencia a distintos momentos y vivencias, en el titulado ‘La huella’, una chica corre tras una huella, a la que probablemente no consiga alcanzar, como cuando se intenta seguir el ritmo del tiempo pero este pasa demasiado deprisa.’

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Zona de detención

Caroline Krabbe

Nacida en Copenhague, vive y trabaja en España desde 1981. Artista visual de formación autodidacta, comienza a exponer en 2008. Su obra está centrada en la pintura y el dibujo fundamentalmente. Durante 15 años fue directora artística de la Galería Krabbe en Frigiliana.
Según sus propias palabras, la artista llegó a la cerámica sin planteamiento previo. El material, el tratamiento de las formas que facilita la arcilla y su uso puramente plástico le interesó desde un primer momento. En toda su obra hay un profundo interés en las historias visuales, con la cerámica ha desarrollado piezas inspiradas e intrínsecamente relacionadas con sus dibujos.
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<a href="https://fernandodelarosablog.wordpress.com/2017/05/21/solsticio-la-pintura-de-caroline-krabbe/">SOLSTICIO. La pintura de Caroline&nbsp;KRABBE.</a>

Sueños y magia

José Manuel González

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<h3>HASTA EL 30 DE JUNIO DE 2021</h3>
1/299 792 458 s hace referencia al metro como unidad de medida y su relación estrecha con la constante cosmológica que representa la velocidad de la luz en el vacío. El metro, la unidad fundacional del sistema métrico decimal, es hoy día la distancia que recorre la luz en el vacío en 1/299 792 458 segundos. Las obras que se mostrarán en la exposición son fruto del trabajo del artista con esos dos componentes, la luz (mediante el uso de leds) y de las proporciones surgidas del uso de sistemas de medida basados en el metro. En las obras que formarán parte de esta muestra, la geometría (medida de la tierra) y la luz (enlightment) son parte fundamental de las mismas. Gracias al uso de tecnología opensource, en concreto de la microcontroladora de hardware y software libre arduino, el artista puede controlar luces led inteligentes, al tiempo que manipula color, intensidad y animaciones gracias al uso de sensores.
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Las obras que se presentarán en esta muestra, ejemplos contemporáneos de lo que se denomina arte cinético (kinetic art), al no ser estáticas como fotografías sino dinámicas y vivas, muestran una relación directa con el 7º arte, cuyo nombre bebe exactamente de la misma raíz griega, “kine”, que significa movimiento, y que en alemán da nacimiento a la palabra “kino” que significa “cinema”. Incluso algunas delas piezas que se pretende mostrar hacen las veces de pantallas tridimensionales que muestran animaciones abstractas, en el sentido más literal del término, como en los inicios de las varguardias (Ruttmann, Ritchter, Fischinger&#8230;).
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La exposición consta de 5 piezas interrelacionadas y cuyas características muestran el interés del artista por las bellas proporciones de la geometría euclídea y la manipulación de la luz, al tiempo que incluye el factor tiempo como parte consustancial de las mismas.
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Helicoide de luz, 2021
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José Manuel González. Estrella, 2020
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1/299 792 458 s

Vargas-Machuca

&#8216;He vuelto a la niñez casi sin darme cuenta de lo lejos que ha quedado. He vuelto a la clase de labores en el mismo silencio absoluto y con un fondo de lectura; pero no lee Teresita, ni cuento hilos en el cañamazo, ni ponen notas a mis desatinos. He retomado los hilos de colores y el dedal emulando a esa niña lejana con la seriedad que dan los años&#8217;.  María José Vargas Machuca
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 lunes a viernes de 11.00 a 14.00 y 15.00 a 18.00 h

SOBREHILADOS

Rafael Alvarado

<h4>Exposición presentada dentro de ABIERTO MAGA / Málaga Gallery Weekend, celebrado el 23 y 24 de Octubre.</h4>
‘En la realización de un grabado calcográfico se estampan pruebas denominadas de estado, las P/E, estas nos orientan durante el proceso, ya que permiten ver los cambios que hacemos en la plancha. Parte de estas pruebas, del grabado Venus y bota que realicé en 1998, son las que he intervenido manualmente, con pintura y diversos lápices de color. En el proceso he reservado partes del grabado original y he transformado el resto. El resultado son 19 piezas únicas, de las cuales 11 formarán parte de esta exposición.
Artista del expresionismo abstracto americano, Philip Guston, abandona la abstracción para adentrarse en la figuración con un estilo que influirá de forma notable en artistas posteriores. La idea de revisar nuevamente a Guston, partiendo de este soporte de pruebas de estado recuperadas, me ha dado margen para reinterpretar su obra en clave irónica y cierto humor negro.
Me ha interesado la confrontación entre lo clásico y lo moderno, entre lo sublime y lo cotidiano; en mi obra original Venus confrontado con una bota. Todas las obras se resuelven en el contexto de un escenario con una representación previa que a su vez será intervenida con diversos actos. Un teatro del absurdo con una puesta en escena imaginaria.
Me ha parecido que este proyecto estaba muy vinculado al espacio expositivo  de la Galería Gravura ya que es el taller donde realicé el grabado original y donde se llevó a cabo todo el proceso de edición.’ Rafael Alvarado, Málaga octubre 2020
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<h4>Obra Gráfica Intervenida</h4>
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Lunes a Viernes de 11.00 a 14.00 y de 17.30 a 20.30h.

CIELO Y TIEMPO — Rafael Alvarado ( Homenaje a Philip Guston )

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<a href="https://gravura.es/wp-content/uploads/2018/06/catálogoPedroMaruna.pdf">Catálogo Pedro Maruna</a>
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Grabados

Yolanda Relinque

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PROYECTO PARA PARTICIPACIÓN EN MaF  MÁLAGA DE FESTIVAL 2018
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Para realizar este proyecto parto de la idea de recuperar la obra musical de Fanny Mendelson (‘la hermana silenciada’), compositora clásica también llamada Fanny Hensel.
Tanto ella como otras mujeres coetáneas tenían prohibido componer, una imposición social que provenía de la idea de la moral de la época que les tocó vivir. Este es el caso de Fanny Mendelssohn, Nanner Mozart, Alma Malher y Clara Schumann entre otras.
Tanto Fanny como Nanner fueron niñas prodigio. Clara Schumann si pudo hacer carrera profesional con la ayuda de Félix Mendelssohn, quien sin embargo no creyó apropiado que su hermana Fanny siguiera ese camino.
“La música será quizá la profesión de Félix, pero para ti sólo puede o debe ser un ornamento. No debe ni puede ser el fundamento de tu existencia y vida diaria” (Abraham Mendelssohn, padre de Fanny, carta del 16 de Julio de 1820).
La educación de la época y su destino dirigido a ser esposa y madre, silencian la grandeza en la música de estas compositoras, en el caso de Fanny fue autora de 466 piezas musicales de las que aún hoy en día se conocen sólo una mínima parte de estas, estando la mayoría inéditas en manos de coleccionistas privados.
Fue predecesora del género ‘canciones sin palabras’.
Félix Mendelssohn aceptó integrar algunas de sus composiciones de su hermana haciéndolas pasar por propias. Pensaron que era la única manera en que la obra de Fanny podría hacerse pública. Ellos creaban compartiendo lo que hacían, estaban muy unidos, de hecho Fanny corregía en muchas ocasiones las composiciones de Félix.
En 1842, durante una recepción en tributo a la reina Victoria, ésta se dirigió a Félix entusiasmada diciéndole que una de sus composiciones, ‘Italia’, era su predilecta. Felix, informó a la reina de que en realidad era obra de su hermana.
Fanny muere con 41 años de un derrame cerebral mientras ensayaba la última pieza que le había hecho llegar su hermano Felix. Él murió unos meses después.
FANNY MENDELSSOHN HENSEL (Hamburgo, 14 de noviembre de 1805- Berlín, 14 de mayo de 1847) ‘Estoy sola con mi música. El placer que me aporta me impide abandonar y, dada la total ausencia de apoyo externo, construyo mi persistencia como prueba de mi talento’. Carta del 15 de junio de 1836 a Karl Klingemann
La obra que formará parte de este proyecto que presento serán dibujos, cerámicas, libros de artista y pequeños objetos que estarán inspirados en las obras ‘Sonata nocturno en g menor’, ‘piano trío op 11’ y ‘Alegro molto’ entre otras y la proyección de un videoarte. (Concepto (descrito por la propia artista)
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=SnHCAWW2nhQ" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Videoarte &#8216;Canciones sin palabras&#8217;</a>

Canciones sin palabras

Hasta el otoño de 2016 mi trabajo era una inmersión en el microcosmos, un mundo mineral donde se reflejaba la materia sólida y acuática, un trabajo depurado propicio a la contemplación y la meditación, donde la luz revelaba un color dominante y sus contornos, pero un día decidí romper este molde volviendo a una técnica que tenía abandonada desde hacía algún tiempo, el aguatinta al azúcar. Esta técnica me permite un trabajo muy espontáneo, pictórico y caligráfico.
Partí de la improvisación, de romper sistemáticamente con mis costumbres para
provocar la creación de una nueva escritura. El color se hizo múltiple, las formas también, de hecho se volvieron cada día más reales y humanas, para finalmente contar lo que me rodeaba, pero mezclado con un mundo irreal, más propio de los sueños o de la mitología. Así, se pueden encontrar en mis últimos grabados, momentos de mi vida familiar como en “el cariñoso”, “el debate” o “manual de infractores”, o social con “camino del éxito” y “ la pareja”. Grabados, entre lo real y lo imaginario, aunque, a veces, hoy en día parece que la ficción supera la realidad.
Christian Bozón
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Aguatinta y aguatinta al azúcar
<img loading="lazy" class="aligncenter size-full wp-image-18910" src="https://gravura.es/wp-content/uploads/2020/11/manual-de-infractores-copia.jpg" alt="" width="1000" height="1259" /> 
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Entre dos mundos

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<a href="https://vimeo.com/197066347?ref=fb-share&amp;1">https://vimeo.com/197066347?ref=fb-share&amp;1</a>

TELA

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 Démosle cuerda al sueño del equilibrio y su juego,
que teja en sus vértigos asomados al vacío
la pesca traviesa de un duende de Orwell y de Hamelin,
cargando a sus hombros, sin dejar de silbar su aventura,
la abeja niña en una ficción ingrávida de infancia y de tiza,
al acróbata secándose el vuelo como un metrónomo suspendido,
una sideral bailarina espía desenredándose el ritmo,
el anisóptero esquiador en la blanca nieve del aire resbaladizo.
Afán, gesto, cordel de un alfabeto de sueños en balanceo,
si se tensa su instante en vilo por el extremo
amenaza la metamorfosis, la pirueta se cumple:
Al miedo le crecen las alas, la felicidad sobrevuela.  
<h6 style="padding-left: 30px; text-align: right;">( Texto de Guillermo Busutil  para la carpeta &#8216;Los ángeles nómadas ) </h6>
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En la exposición se presenta la  primera carpeta de grabados coleccionable &#8216;Los ángeles nómadas&#8217; editada por el Taller Gravura. Consta de cinco grabados de los artistas; Chema Lumbreras, Vargas Machuca, Mari García, Eryk Pall y Paco Aguilar, con la colaboración literaria de Guillermo Busutil.
Se ha utilizado papel Hahnemühle de 300 gr, en formato de 14,5 x 63 cm. para la estampación de los grabados, siendo realizados con las siguientes técnicas: aguafuerte, aguatinta, barniz blando , punta seca y fotograbado sobre plancha solar. La edición se presenta en estuche de cartón corrugado gris claro.
La edición consta de setenta ejemplares numerados del 1/70 al 70/70, siete pruebas de autor numeradas del I/VII al VII/VII y dos pruebas de taller. La estampación ha sido realizada por el maestro grabador Paco Aguilar y se ha llevado a cabo durante el año 2017 en los tórculos de Gravura.
Para llevarla a buen término se ha contado con la colaboración incondicional de Mariana Martín e Inmaculada Carrasco
<img loading="lazy" class="aligncenter size-full wp-image-18773" src="https://gravura.es/wp-content/uploads/2017/12/2967_MARTINDEARRIBA-GRAVURA-1.jpg" alt="" width="1476" height="984" />
<h6 style="padding-left: 30px;">Proceso de realización de la carpeta de grabados «Los ángeles nómadas»</h6>

Los Ángeles Nómadas

En esta exposición en el taller Gravura presento una seria de obras de pequeño formato en las cuales sigo investigando sobre la influencia que la escala puede tener en la percepción del espectador. No son maquetas, como en algunos momentos se les ha llamado, aunque alguna las haya utilizado como modelo para llevarla a una dimensión más acorde con la necesidad que tienen de ser habitadas. Con estas esculturas quiero establecer un juego, en el que invito al espectador a reducir sus dimensiones y las visiten experimentando un espacio-tiempo irreal. Todo el poder está en la imaginación. 
Además de estos espacios individuales, introduzco unas obras con carácter de instalación en las que aúno diferentes elementos geométricos y orgánicos buscando el equilibrio que la naturaleza posee.
Estas son mis ciudades.
La idea de construirlas me viene desde hace bastante tiempo, concretamente desde que tengo memoria de ello; pero ha sido a partir de la lectura de Las Ciudades Invisibles de Italo Calvino cuando me he planteado en “serio” la posibilidad de tener mis propias ciudades con ciertas características que las hacen diferentes de las imaginadas por éste escritor: las mías &#8211; por ejemplo &#8211; son reales. Eso sí: como las de Calvino, solo pueden ser habitadas con la imaginación.       Antonio Yesa
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<a href="https://www.youtube.com/watch?v=SPpBameBXn4">VIDEO DE LA EXPOSICIÓN</a>

Lugares Comunes

&#8216;Yo descubrí el cine en mi Barrio, concretamente en el cine Monumental, donde la sesión era continúa y pasábamos nuestra vida desde las 4 de la tarde hasta las 9 ó 10 de la noche. Veía las películas una y otra vez. Allí conocí actores y actrices en películas inolvidables que me llevaron a ciudades y situaciones de las que aprendí que había otros paisajes y otra gente que hablaba de otras cosas. Vi cómo se podía luchar por tus ideales y cómo se podía morir de amor, también vi la maldad humana y cómo se reían de Dumbo por tener las orejas grandes, me sentí irremediablemente identificado. También ocurrieron en ese cine mis primeros juegos sexuales, aunque no en la pantalla, si no en el patio de butacas.
Para esta exposición, incluida dentro del circuito del MaF y coincidiendo con el festival de cine español, he querido homenajear al cine a mi manera. No he intentado buscar mis pelis favoritas, ni siquiera las mejores, solo las que me han permitido continuar con mi trabajo, aunque en esta ocasión haciendo un guiño divertido al 7º arte. En esta serie vuelvo a utilizar dioramas, unas quince obras realizadas con distintos materiales pero  mejor … ¡venid a verla!&#8217;       ( Juanjo Fuentes )
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<a href="https://vimeo.com/205813983?ref=fb-share&amp;1">VIDEO DE LA EXPOSICIÓN</a>

SESIÓN CONTINUA

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<a href="https://youtu.be/cpPZhNqiTbs" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Vídeo de la exposición</a>

MADERA, PAPEL, TIJERA

La exposición de Luis Vásquez en la Galería Taller Gravura de Málaga a partir del veinticuatro de Junio, es sólo parte y resumen de de una obra mucho más amplia y compleja.
Todo comenzó con un viaje vacacional a Marruecos hace ya mucho tiempo. La seducción de África actuó de inmediato y Luis se creía, como tantos otros europeos desde hace siglos, en una “tierra prometida”, donde era posible recuperar el Paraíso. Las estancias cada vez más prolongadas, la convivencia y las experiencias vividas, tejieron una red de posibilidades que un artista siempre aprovecha para generar su obra.
Luis es un ‘constructor’ casi en el sentido literal del término, su apego y habilidad para captar las cualidades de la materia y su capacidad para transformarla, revelan su vocación escultórica en el sentido más amplio y actualizado del procedimiento, pero también es un sentimental y no le interesa sólo la satisfacción del hallazgo, necesita comunicarlo de forma reflexiva y concienciada, alejado por completo del exhibicionismo intimista y con el compromiso valiente de un activismo militante.
En un proceso especular y simétrico, en ambos lados del estrecho se desea pasar a la “otra orilla”. Desde Europa atraen el misterio, los colores de África, la fantasía de recuperar la pureza de los orígenes…Para otros el deseo del cazador, las posibilidades de ventajosos beneficios, el saqueo y la rapiña de sus riquezas naturales a bajo coste…Desde África se envidian las rutilantes luces que se observan desde Tánger (….tan solo catorce kilómetros….si no hubiese mar sería un paseo….)los dorados destellos del bienestar consumista de la publicidad, la promesa de un trabajo y de unos derechos, la libertad…
Esta aparente y complementaria simetría se rompe con la realidad de la frontera, la interrupción de los flujos y la cínica indiferencia de casi todos. La Columnas de Hércules anuncian dos posibilidades de paso, según sea la &#8216;condición“&#8217;del transeúnte. Para la mayor parte de los africanos significan: NON PLUS ULTRA.
Luis Vásquez ha hecho de su obra un motivo de observación, critica reflexiva e instrumento operativo para sensibilizar al público sobre esta trágica situación e intentar que los poderes políticos tomen partido para su solución.
En esta ocasión se han seleccionado seis obras que resumen otras tantas secuencias del proceloso viaje y sus consecuencias.
El artista utiliza un lenguaje poco literal, ajeno al expresionismo desgarrado que reclamaría el tema, opta por la metáfora, lo abstracto y lo simbólico. La única concesión se reduce al color, de referencias africanas y algunos documentos fotográficos sin valor anecdótico particular.
Sí es notable la pulcritud y cuidado en la factura que dan un carácter de frio refinamiento estético a un asunto tan candente.
Los instrumentos para la descripción del paisaje no son de naturaleza visual mimética, sino científica: los planos batimétricos y las líneas tienen su correspondencia tridimensional en el cubo y los cortes. En ambos casos como descripción y significación de la narrativa: Rutas de dirección y posición, incisiones que las interrumpen, que “cortan la vida y las ilusiones “.
El espejo identifica al espectador con el protagonista e impide su evasión, obligándolo a reflexionar sobre la posible reciprocidad de las personalidades, de los roles que tal vez sólo por ahora interpretemos.
La Fortuna es cambiante y en muchas ocasiones determinante. El juego se plantea como un campo de batalla en el que a veces, con satírico sentido del humor, se acaba perdiendo, ó en el mejor de los casos desencantado con una victoria “pírrica”. LA SUERTE ESTA ECHADA….los dados ruedan sobre el tapete.
El artista confiesa que la Tierra a vista de pájaro se parece mucho a la tierra vista de muy cerca. Las escalas y las maquetas hacen posible describir los territorios en miniatura. Piezas pequeñas como los ataúdes de aluminio “de juguete” o las Columnas de Hércules reducidas a objeto decorativo, aluden irónicamente a la grandiosidad de la tragedia y a lo ciclópeo de las barreras.
Finalmente, un resto encontrado en la orilla arrastrado y destrozado por el mar, procedente del timón de una patera, deviene en la dramática imagen del hombre roto, lastrado y sin esperanzas: El sin papeles , el Ilegal.
Alberto Oliver, Profesor de Historia del Arte de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla
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Lunes a Viernes de 11.00 a 14.00 / 17.30 a 20.30

Exposiciones