

May Herman. Semiótica del papel. 
Palabras/enigmas. ¿Qué? Se preguntan los papeles de May Herman. La interrogación se revela de su fragilidad fabricada para interpelar con enigmática contundencia. Rastreamos otros trazos ensimismados de escritura en pequeños fragmentos de papel, de líneas escritas a mano con la delicadeza de quien no desea herir el soporte ni desvelar pensamientos. Solo visibles para la mirada escrutadora. Sutiles misivas que reclaman el paso detenido. Solo para invocar la naturaleza diversa de la creación. Únicamente para sugerir que sus caminos nos harán deambular. Y susurra. Queda mucho por escribir…
Papeles/encuentros. Sin embargo, sus composiciones no necesitan de palabras para expresarse. El método de trabajo delata que es el proceso creativo el que va marcando las pautas. La autora trabaja sin planteamientos previos, armando formas en el devenir de la propia labor. Los encuentros con el material resultan elocuentes y decisivos en el proceso. Herman se deja seducir, guarda y mima cada lámina, cada retazo, cualquier fragmento. Recorta, reutiliza, rasga, pega, encara, superpone, trenza y teje —utiliza también telas y encajes— las diferentes calidades, procedencias —reutiliza grabados y plásticos—, texturas, tonos, densidades, transparencias y resistencias. Como la directora de orquesta o la coreógrafa conoce y respeta las naturalezas singulares, las hace brillar y deja que sus potencialidades afloren, para luego incitarlas a dialogar. Entonces ocurre la magia de la poética de sus mundos de papel.
Formas/signos. No es difícil imaginar a la artista absorta en una labor paciente, de gran pulcritud, sutil y preciosista, y, al mismo tiempo, decidida, valerosa, casi dolorosa. Construir un universo pleno de lirismo supone estar alerta. Y con ello las ideas surgen y encuentran morada, se encarnan, se “reconocen”. Las formas se convierten en signos de una grafía particular con alcance colectivo. Las composiciones abstractas ordenan un aparente caos, sujetas en cuadrículas o trenzados; los perfiles ondulados o redondeados excavan oquedades de profundidad insondable o simulan organismos y paisajes corporales íntimos; en otras ocasiones, las intervenciones dejan huellas de marcas e incisiones que figuran heridas. En este sentido, resulta significativa su formación disciplinar diversa, en psicología y bellas artes, así como el desempeño de una labor pionera como psicóloga en el Centro Asesor de la Mujer. Al final, todo el recorrido vital encuentra su acomodo y la línea de los tiempos se difumina haciéndose presente. Estas cartografías explícitas o referenciales del cuerpo y de la psique de las mujeres ahondan en aspectos culturales y biológicos ineludibles y abordan cuestiones básicas de las agendas feministas. Bajo la apariencia de una estética depurada y limpia se puede esconder abyección y oscuridad. Un arma de doble filo que las mujeres conocen y padecen. Esas capas de formas significantes aluden conscientemente a la disparidad por género, a los cruces de roles asociados y a los caracteres vinculados a la construcción de la feminidad y, también, conjugan referencias a la violencia y la opresión, la depresión, el acoso o la violación. 
Compromiso/placer. Hablamos de las artes, mientras disfrutamos de las confidencias, de las risas y de los intereses compartidos. No resulta contradictorio. El placer sentido se contagia porque el compromiso de May Herman también lo es con la creación artística y pasa por el disfrute. La artista se inscribe en una genealogía que ha desbordado las jerarquías de los soportes, de los géneros y de las categorías de las labores artísticas realizadas, tradicionalmente, por mujeres. La historiografía feminista ha reforzado esta subversión fundamental. Por ello Herman, mujer, artista/artesana, mediadora y experimentadora, concibe su obra en la necesidad de la revelación sin renunciar al goce. Resulta sugerente pensar en la artista cultivando los sentidos cuando trabaja, desplazándose suavemente por las superficies lisas o rugosas, recorriendo las líneas rectas para abordar los relieves y sucumbir a los huecos. La laboriosidad de sus manos debió extraer sonidos de los papeles manipulados, a pesar del cuidado exquisito. La pulcritud y elegancia de los tonos de blancos inundan la pupila, y se interrumpen con manchas rojizas como flores de sangre, o una fina pero incisiva línea negra. Sin placer no hay creación. Quizás el dolor se pueda conjurar.

Belén Ruiz Garrido. Universidad de Málaga. Instituto Universitario de Investigación de Género e Igualdad (IGIUMA). Proyecto I+D Desnortadas












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Semiótica del papel. MAY HERMAN


‘Creo que las decisiones individuales se toman en la zona de detención.  

En el mundo hay personas que tenemos prisa en todo momento, no paramos, vivimos sin entretenernos con nimiedades y procuramos estar siempre muy ocupados para que el tiempo no se nos escape. Andamos sin darnos tregua pues nos sentimos desorientados cuando no tenemos nada que hacer.

Malgastar el tiempo o aprovecharlo al máximo da una idea de cómo tomamos la vida

La exposición ‘Zona de Detención’ nos lleva a un espacio de pausa y descanso, lugar idóneo para el deseo y el erotismo, para la imaginación, el juego y el pensamiento.

En esta línea parte de las obras que se presentan son dibujos de carácter erótico, otros representan distintas escenas, como el impreso a escala real y en el cual una muchacha carga sobre sus espaldas a otra, mientras se desplaza sobre una sola rueda, en un verdadero acto de malabarismo. La exposición cuenta también con 9 grabados calcográficos realizados por la artista en el Taller Gravura, estos hacen referencia a distintos momentos y vivencias, en el titulado ‘La huella’, una chica corre tras una huella, a la que probablemente no consiga alcanzar, como cuando se intenta seguir el ritmo del tiempo pero este pasa demasiado deprisa.’

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Zona de detención

Nacida en Copenhague, vive y trabaja en España desde 1981. Artista visual de formación autodidacta, comienza a exponer en 2008. Su obra está centrada en la pintura y el dibujo fundamentalmente. Durante 15 años fue directora artística de la Galería Krabbe en Frigiliana.
Según sus propias palabras, la artista llegó a la cerámica sin planteamiento previo. El material, el tratamiento de las formas que facilita la arcilla y su uso puramente plástico le interesó desde un primer momento. En toda su obra hay un profundo interés en las historias visuales, con la cerámica ha desarrollado piezas inspiradas e intrínsecamente relacionadas con sus dibujos.
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<a href="https://fernandodelarosablog.wordpress.com/2017/05/21/solsticio-la-pintura-de-caroline-krabbe/">SOLSTICIO. La pintura de Caroline&nbsp;KRABBE.</a>

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Sueños y magia

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<h3>HASTA EL 30 DE JUNIO DE 2021</h3>
1/299 792 458 s hace referencia al metro como unidad de medida y su relación estrecha con la constante cosmológica que representa la velocidad de la luz en el vacío. El metro, la unidad fundacional del sistema métrico decimal, es hoy día la distancia que recorre la luz en el vacío en 1/299 792 458 segundos. Las obras que se mostrarán en la exposición son fruto del trabajo del artista con esos dos componentes, la luz (mediante el uso de leds) y de las proporciones surgidas del uso de sistemas de medida basados en el metro. En las obras que formarán parte de esta muestra, la geometría (medida de la tierra) y la luz (enlightment) son parte fundamental de las mismas. Gracias al uso de tecnología opensource, en concreto de la microcontroladora de hardware y software libre arduino, el artista puede controlar luces led inteligentes, al tiempo que manipula color, intensidad y animaciones gracias al uso de sensores.
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Las obras que se presentarán en esta muestra, ejemplos contemporáneos de lo que se denomina arte cinético (kinetic art), al no ser estáticas como fotografías sino dinámicas y vivas, muestran una relación directa con el 7º arte, cuyo nombre bebe exactamente de la misma raíz griega, “kine”, que significa movimiento, y que en alemán da nacimiento a la palabra “kino” que significa “cinema”. Incluso algunas delas piezas que se pretende mostrar hacen las veces de pantallas tridimensionales que muestran animaciones abstractas, en el sentido más literal del término, como en los inicios de las varguardias (Ruttmann, Ritchter, Fischinger&#8230;).
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La exposición consta de 5 piezas interrelacionadas y cuyas características muestran el interés del artista por las bellas proporciones de la geometría euclídea y la manipulación de la luz, al tiempo que incluye el factor tiempo como parte consustancial de las mismas.
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Helicoide de luz, 2021
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José Manuel González. Estrella, 2020
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Vargas-Machuca

&#8216;He vuelto a la niñez casi sin darme cuenta de lo lejos que ha quedado. He vuelto a la clase de labores en el mismo silencio absoluto y con un fondo de lectura; pero no lee Teresita, ni cuento hilos en el cañamazo, ni ponen notas a mis desatinos. He retomado los hilos de colores y el dedal emulando a esa niña lejana con la seriedad que dan los años&#8217;.  María José Vargas Machuca
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 lunes a viernes de 11.00 a 14.00 y 15.00 a 18.00 h

SOBREHILADOS

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Rafael Alvarado

<h4>Exposición presentada dentro de ABIERTO MAGA / Málaga Gallery Weekend, celebrado el 23 y 24 de Octubre.</h4>
‘En la realización de un grabado calcográfico se estampan pruebas denominadas de estado, las P/E, estas nos orientan durante el proceso, ya que permiten ver los cambios que hacemos en la plancha. Parte de estas pruebas, del grabado Venus y bota que realicé en 1998, son las que he intervenido manualmente, con pintura y diversos lápices de color. En el proceso he reservado partes del grabado original y he transformado el resto. El resultado son 19 piezas únicas, de las cuales 11 formarán parte de esta exposición.
Artista del expresionismo abstracto americano, Philip Guston, abandona la abstracción para adentrarse en la figuración con un estilo que influirá de forma notable en artistas posteriores. La idea de revisar nuevamente a Guston, partiendo de este soporte de pruebas de estado recuperadas, me ha dado margen para reinterpretar su obra en clave irónica y cierto humor negro.
Me ha interesado la confrontación entre lo clásico y lo moderno, entre lo sublime y lo cotidiano; en mi obra original Venus confrontado con una bota. Todas las obras se resuelven en el contexto de un escenario con una representación previa que a su vez será intervenida con diversos actos. Un teatro del absurdo con una puesta en escena imaginaria.
Me ha parecido que este proyecto estaba muy vinculado al espacio expositivo  de la Galería Gravura ya que es el taller donde realicé el grabado original y donde se llevó a cabo todo el proceso de edición.’ Rafael Alvarado, Málaga octubre 2020
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<h4>Obra Gráfica Intervenida</h4>
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Lunes a Viernes de 11.00 a 14.00 y de 17.30 a 20.30h.

CIELO Y TIEMPO — Rafael Alvarado ( Homenaje a Philip Guston )

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<a href="https://gravura.es/wp-content/uploads/2018/06/catálogoPedroMaruna.pdf">Catálogo Pedro Maruna</a>
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Grabados

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PROYECTO PARA PARTICIPACIÓN EN MaF  MÁLAGA DE FESTIVAL 2018
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Para realizar este proyecto parto de la idea de recuperar la obra musical de Fanny Mendelson (‘la hermana silenciada’), compositora clásica también llamada Fanny Hensel.
Tanto ella como otras mujeres coetáneas tenían prohibido componer, una imposición social que provenía de la idea de la moral de la época que les tocó vivir. Este es el caso de Fanny Mendelssohn, Nanner Mozart, Alma Malher y Clara Schumann entre otras.
Tanto Fanny como Nanner fueron niñas prodigio. Clara Schumann si pudo hacer carrera profesional con la ayuda de Félix Mendelssohn, quien sin embargo no creyó apropiado que su hermana Fanny siguiera ese camino.
“La música será quizá la profesión de Félix, pero para ti sólo puede o debe ser un ornamento. No debe ni puede ser el fundamento de tu existencia y vida diaria” (Abraham Mendelssohn, padre de Fanny, carta del 16 de Julio de 1820).
La educación de la época y su destino dirigido a ser esposa y madre, silencian la grandeza en la música de estas compositoras, en el caso de Fanny fue autora de 466 piezas musicales de las que aún hoy en día se conocen sólo una mínima parte de estas, estando la mayoría inéditas en manos de coleccionistas privados.
Fue predecesora del género ‘canciones sin palabras’.
Félix Mendelssohn aceptó integrar algunas de sus composiciones de su hermana haciéndolas pasar por propias. Pensaron que era la única manera en que la obra de Fanny podría hacerse pública. Ellos creaban compartiendo lo que hacían, estaban muy unidos, de hecho Fanny corregía en muchas ocasiones las composiciones de Félix.
En 1842, durante una recepción en tributo a la reina Victoria, ésta se dirigió a Félix entusiasmada diciéndole que una de sus composiciones, ‘Italia’, era su predilecta. Felix, informó a la reina de que en realidad era obra de su hermana.
Fanny muere con 41 años de un derrame cerebral mientras ensayaba la última pieza que le había hecho llegar su hermano Felix. Él murió unos meses después.
FANNY MENDELSSOHN HENSEL (Hamburgo, 14 de noviembre de 1805- Berlín, 14 de mayo de 1847) ‘Estoy sola con mi música. El placer que me aporta me impide abandonar y, dada la total ausencia de apoyo externo, construyo mi persistencia como prueba de mi talento’. Carta del 15 de junio de 1836 a Karl Klingemann
La obra que formará parte de este proyecto que presento serán dibujos, cerámicas, libros de artista y pequeños objetos que estarán inspirados en las obras ‘Sonata nocturno en g menor’, ‘piano trío op 11’ y ‘Alegro molto’ entre otras y la proyección de un videoarte. (Concepto (descrito por la propia artista)
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=SnHCAWW2nhQ" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Videoarte &#8216;Canciones sin palabras&#8217;</a>

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Canciones sin palabras

Hasta el otoño de 2016 mi trabajo era una inmersión en el microcosmos, un mundo mineral donde se reflejaba la materia sólida y acuática, un trabajo depurado propicio a la contemplación y la meditación, donde la luz revelaba un color dominante y sus contornos, pero un día decidí romper este molde volviendo a una técnica que tenía abandonada desde hacía algún tiempo, el aguatinta al azúcar. Esta técnica me permite un trabajo muy espontáneo, pictórico y caligráfico.
Partí de la improvisación, de romper sistemáticamente con mis costumbres para
provocar la creación de una nueva escritura. El color se hizo múltiple, las formas también, de hecho se volvieron cada día más reales y humanas, para finalmente contar lo que me rodeaba, pero mezclado con un mundo irreal, más propio de los sueños o de la mitología. Así, se pueden encontrar en mis últimos grabados, momentos de mi vida familiar como en “el cariñoso”, “el debate” o “manual de infractores”, o social con “camino del éxito” y “ la pareja”. Grabados, entre lo real y lo imaginario, aunque, a veces, hoy en día parece que la ficción supera la realidad.
Christian Bozón
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Aguatinta y aguatinta al azúcar
<img loading="lazy" class="aligncenter size-full wp-image-18910" src="https://gravura.es/wp-content/uploads/2020/11/manual-de-infractores-copia.jpg" alt="" width="1000" height="1259" /> 
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Entre dos mundos

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<a href="https://vimeo.com/197066347?ref=fb-share&amp;1">https://vimeo.com/197066347?ref=fb-share&amp;1</a>

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TELA

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 Démosle cuerda al sueño del equilibrio y su juego,
que teja en sus vértigos asomados al vacío
la pesca traviesa de un duende de Orwell y de Hamelin,
cargando a sus hombros, sin dejar de silbar su aventura,
la abeja niña en una ficción ingrávida de infancia y de tiza,
al acróbata secándose el vuelo como un metrónomo suspendido,
una sideral bailarina espía desenredándose el ritmo,
el anisóptero esquiador en la blanca nieve del aire resbaladizo.
Afán, gesto, cordel de un alfabeto de sueños en balanceo,
si se tensa su instante en vilo por el extremo
amenaza la metamorfosis, la pirueta se cumple:
Al miedo le crecen las alas, la felicidad sobrevuela.  
<h6 style="padding-left: 30px; text-align: right;">( Texto de Guillermo Busutil  para la carpeta &#8216;Los ángeles nómadas ) </h6>
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En la exposición se presenta la  primera carpeta de grabados coleccionable &#8216;Los ángeles nómadas&#8217; editada por el Taller Gravura. Consta de cinco grabados de los artistas; Chema Lumbreras, Vargas Machuca, Mari García, Eryk Pall y Paco Aguilar, con la colaboración literaria de Guillermo Busutil.
Se ha utilizado papel Hahnemühle de 300 gr, en formato de 14,5 x 63 cm. para la estampación de los grabados, siendo realizados con las siguientes técnicas: aguafuerte, aguatinta, barniz blando , punta seca y fotograbado sobre plancha solar. La edición se presenta en estuche de cartón corrugado gris claro.
La edición consta de setenta ejemplares numerados del 1/70 al 70/70, siete pruebas de autor numeradas del I/VII al VII/VII y dos pruebas de taller. La estampación ha sido realizada por el maestro grabador Paco Aguilar y se ha llevado a cabo durante el año 2017 en los tórculos de Gravura.
Para llevarla a buen término se ha contado con la colaboración incondicional de Mariana Martín e Inmaculada Carrasco
<img loading="lazy" class="aligncenter size-full wp-image-18773" src="https://gravura.es/wp-content/uploads/2017/12/2967_MARTINDEARRIBA-GRAVURA-1.jpg" alt="" width="1476" height="984" />
<h6 style="padding-left: 30px;">Proceso de realización de la carpeta de grabados «Los ángeles nómadas»</h6>

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Los Ángeles Nómadas

En esta exposición en el taller Gravura presento una seria de obras de pequeño formato en las cuales sigo investigando sobre la influencia que la escala puede tener en la percepción del espectador. No son maquetas, como en algunos momentos se les ha llamado, aunque alguna las haya utilizado como modelo para llevarla a una dimensión más acorde con la necesidad que tienen de ser habitadas. Con estas esculturas quiero establecer un juego, en el que invito al espectador a reducir sus dimensiones y las visiten experimentando un espacio-tiempo irreal. Todo el poder está en la imaginación. 
Además de estos espacios individuales, introduzco unas obras con carácter de instalación en las que aúno diferentes elementos geométricos y orgánicos buscando el equilibrio que la naturaleza posee.
Estas son mis ciudades.
La idea de construirlas me viene desde hace bastante tiempo, concretamente desde que tengo memoria de ello; pero ha sido a partir de la lectura de Las Ciudades Invisibles de Italo Calvino cuando me he planteado en “serio” la posibilidad de tener mis propias ciudades con ciertas características que las hacen diferentes de las imaginadas por éste escritor: las mías &#8211; por ejemplo &#8211; son reales. Eso sí: como las de Calvino, solo pueden ser habitadas con la imaginación.       Antonio Yesa
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<a href="https://www.youtube.com/watch?v=SPpBameBXn4">VIDEO DE LA EXPOSICIÓN</a>

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Lugares Comunes

&#8216;Yo descubrí el cine en mi Barrio, concretamente en el cine Monumental, donde la sesión era continúa y pasábamos nuestra vida desde las 4 de la tarde hasta las 9 ó 10 de la noche. Veía las películas una y otra vez. Allí conocí actores y actrices en películas inolvidables que me llevaron a ciudades y situaciones de las que aprendí que había otros paisajes y otra gente que hablaba de otras cosas. Vi cómo se podía luchar por tus ideales y cómo se podía morir de amor, también vi la maldad humana y cómo se reían de Dumbo por tener las orejas grandes, me sentí irremediablemente identificado. También ocurrieron en ese cine mis primeros juegos sexuales, aunque no en la pantalla, si no en el patio de butacas.
Para esta exposición, incluida dentro del circuito del MaF y coincidiendo con el festival de cine español, he querido homenajear al cine a mi manera. No he intentado buscar mis pelis favoritas, ni siquiera las mejores, solo las que me han permitido continuar con mi trabajo, aunque en esta ocasión haciendo un guiño divertido al 7º arte. En esta serie vuelvo a utilizar dioramas, unas quince obras realizadas con distintos materiales pero  mejor … ¡venid a verla!&#8217;       ( Juanjo Fuentes )
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<a href="https://vimeo.com/205813983?ref=fb-share&amp;1">VIDEO DE LA EXPOSICIÓN</a>

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SESIÓN CONTINUA

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<a href="https://youtu.be/cpPZhNqiTbs" target="_blank" rel="noopener noreferrer">Vídeo de la exposición</a>

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MADERA, PAPEL, TIJERA

La exposición de Luis Vásquez en la Galería Taller Gravura de Málaga a partir del veinticuatro de Junio, es sólo parte y resumen de de una obra mucho más amplia y compleja.
Todo comenzó con un viaje vacacional a Marruecos hace ya mucho tiempo. La seducción de África actuó de inmediato y Luis se creía, como tantos otros europeos desde hace siglos, en una “tierra prometida”, donde era posible recuperar el Paraíso. Las estancias cada vez más prolongadas, la convivencia y las experiencias vividas, tejieron una red de posibilidades que un artista siempre aprovecha para generar su obra.
Luis es un ‘constructor’ casi en el sentido literal del término, su apego y habilidad para captar las cualidades de la materia y su capacidad para transformarla, revelan su vocación escultórica en el sentido más amplio y actualizado del procedimiento, pero también es un sentimental y no le interesa sólo la satisfacción del hallazgo, necesita comunicarlo de forma reflexiva y concienciada, alejado por completo del exhibicionismo intimista y con el compromiso valiente de un activismo militante.
En un proceso especular y simétrico, en ambos lados del estrecho se desea pasar a la “otra orilla”. Desde Europa atraen el misterio, los colores de África, la fantasía de recuperar la pureza de los orígenes…Para otros el deseo del cazador, las posibilidades de ventajosos beneficios, el saqueo y la rapiña de sus riquezas naturales a bajo coste…Desde África se envidian las rutilantes luces que se observan desde Tánger (….tan solo catorce kilómetros….si no hubiese mar sería un paseo….)los dorados destellos del bienestar consumista de la publicidad, la promesa de un trabajo y de unos derechos, la libertad…
Esta aparente y complementaria simetría se rompe con la realidad de la frontera, la interrupción de los flujos y la cínica indiferencia de casi todos. La Columnas de Hércules anuncian dos posibilidades de paso, según sea la &#8216;condición“&#8217;del transeúnte. Para la mayor parte de los africanos significan: NON PLUS ULTRA.
Luis Vásquez ha hecho de su obra un motivo de observación, critica reflexiva e instrumento operativo para sensibilizar al público sobre esta trágica situación e intentar que los poderes políticos tomen partido para su solución.
En esta ocasión se han seleccionado seis obras que resumen otras tantas secuencias del proceloso viaje y sus consecuencias.
El artista utiliza un lenguaje poco literal, ajeno al expresionismo desgarrado que reclamaría el tema, opta por la metáfora, lo abstracto y lo simbólico. La única concesión se reduce al color, de referencias africanas y algunos documentos fotográficos sin valor anecdótico particular.
Sí es notable la pulcritud y cuidado en la factura que dan un carácter de frio refinamiento estético a un asunto tan candente.
Los instrumentos para la descripción del paisaje no son de naturaleza visual mimética, sino científica: los planos batimétricos y las líneas tienen su correspondencia tridimensional en el cubo y los cortes. En ambos casos como descripción y significación de la narrativa: Rutas de dirección y posición, incisiones que las interrumpen, que “cortan la vida y las ilusiones “.
El espejo identifica al espectador con el protagonista e impide su evasión, obligándolo a reflexionar sobre la posible reciprocidad de las personalidades, de los roles que tal vez sólo por ahora interpretemos.
La Fortuna es cambiante y en muchas ocasiones determinante. El juego se plantea como un campo de batalla en el que a veces, con satírico sentido del humor, se acaba perdiendo, ó en el mejor de los casos desencantado con una victoria “pírrica”. LA SUERTE ESTA ECHADA….los dados ruedan sobre el tapete.
El artista confiesa que la Tierra a vista de pájaro se parece mucho a la tierra vista de muy cerca. Las escalas y las maquetas hacen posible describir los territorios en miniatura. Piezas pequeñas como los ataúdes de aluminio “de juguete” o las Columnas de Hércules reducidas a objeto decorativo, aluden irónicamente a la grandiosidad de la tragedia y a lo ciclópeo de las barreras.
Finalmente, un resto encontrado en la orilla arrastrado y destrozado por el mar, procedente del timón de una patera, deviene en la dramática imagen del hombre roto, lastrado y sin esperanzas: El sin papeles , el Ilegal.
Alberto Oliver, Profesor de Historia del Arte de la Facultad de Bellas Artes de Sevilla
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Lunes a Viernes de 11.00 a 14.00 / 17.30 a 20.30

MAR DE ALBORÁN. Paisajes de la inmigración

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Monday to Friday from 11.00 to 14.00 / 17.30 to 20.30

I LOVE MOBILE PHONE

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UN CUENTO SOBRE CINE / EVA POYATO
Por Marta Zafrilla
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Érase una vez una escritora que en vez de palabras usaba colores para relatar. En las noches de luna menguante, justo en el límite del azul al rojo, de los cuadros de Eva Poyato nacían príncipes sin reino anhelantes de amores imposibles. Los pájaros, todos con recuerdos felices de infancia, anidaban en el milímetro exacto donde el ojo nunca mira. Sus cantos, coloridos y alados, brotaban en el reverso de los cuadros, justo en el momento en que el espectador se gira para alejarse y cree escuchar una melodía mágica que envuelve ya para siempre el recuerdo de la obra.
&nbsp;
No contarán el blanco y el negro en sus obras con el significado habitual de la luz y la sombra, ni siquiera del fondo y la silueta; en los lienzos de Eva el negro será el poder narrativo de la letra impresa sobre el techo del sueño, con el vientre pleno de historias únicas veladas para sorprender en el instante más inesperado. Esas historias no serán nunca narradas sino susurradas en cada alianza de colores que se establece en sus cuadros, sugeridas pero siempre sin terminar de inventar, a la espera de que el espectador cierre los ojos y las termine de soñar.
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Notará cualquiera fácilmente cómo en sus obras la temperatura será siempre distinta a la del entorno del cuadro, las estaciones pierden su calendario brincando el sol sobre el frío y la nieve sobre el arco-iris sin responder a lógica alguna.
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Por experiencia os diré que la realidad juega a sorprender en la experiencia de sus cuadros y si echáis la caña de pescar en uno de los ríos que brota del pincel de Eva encontraréis nubes, cazaréis ballenas en los precipicios y árboles en sus charcos.
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Al contrario de otros artistas donde la distancia es exigida, en los detalles regalados por esta poetisa del color el visitante recibirá a la obra y no al revés y deberá rotar como en torno a una escultura, partiendo de la lejanía que lo sugiere todo a la certeza del milímetro, saltando hacia los lados para intentar sorprender a los retratados dialogando entre sí como en un museo sobre el que nunca escribió Cortázar. Necesitará una lupa o la vista de un águila para ser capaz de deslumbrarse con la exactitud de su detalle, pero también imaginación para terminar de responder a la llamada de cada una de las obras de Eva Poyato donde la historia está latente y siempre dispuesta a ser soñada.
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Espectador, sepa que el aura de sus cuentos mágicos impregnarán sus ojos para siempre, quedando dispuestos para dejarse engatusar por la luz de la felicidad, la sorpresa del futuro y el recuerdo vibrante de los buenos sueños.
<a href="https://www.youtube.com/watch?v=T-88cS2x5u4">Vídeo de la exposición</a>

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Un Cuento de Cine

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Stefan Von Reiswitz

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Duendes, Sirenas y Vampiros. Comparsas, motoristas y Caballos. Pájaros, Mitos y otras cosas

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Francisco González Romero; o la pasión de crear/
Rafael Valentín López Flores/ Doctor en Historia del Arte
Pasión, vitalidad, ilusión, entusiasmo…, son muchos los calificativos, casi innumerables, que podemos relacionar con la labor y ejemplo vital de Francisco González Romero. Múltiples, variados y siempre loables, llamativos en cualquier ámbito, pero más si cabe en su caso, cuando la experiencia acumulada nunca ha dado paso al hastío o el desapego originado por los años o las decepciones; amplio abanico de virtudes, a veces desapercibidas, entre las que escogemos, con motivo de una nueva exposición pública de sus obras, la constancia y la inquietud.
Hace años que González Romero, autor de una dilatada y versátil obra, podría haber optado por la seguridad de sus hallazgos plásticos y trabajar, desde la seguridad de su luminoso taller en pleno centro de Málaga, en la depuración y variación de los mismos, pero la realidad es bien distinta. Paco –como le conocemos aquellos que tenemos el privilegio de ser sus amigos– ejerce de “joven” pintor a sus 92 frescas primaveras, y lo hace dando forma a un universo creativo marcado por el símbolo y la geometría; un mundo pictórico, con más de siete décadas de existencia, que, lejos de enmohecerse o anquilosarle, respira vitalidad y novedad por cada uno de sus poros. Un mundo entre dos milenios que nuestro pintor, armado con altísimas dosis de conocimiento, inagotables reservas de ímpetu y grandes despensas de curiosidad, afronta sin vacilaciones, de la mano del estudio incansable de nuevas perspectivas estéticas, filosóficas y pictóricas, profundizando en el conocimiento del arte contemporáneo y las vanguardias para poner al día su visión de la cultura que le rodea.
Hoy, tras toda una vida dedicada a la creación artística, la educación y la promoción cultural, Paco nos brinda la oportunidad de adentrarnos en una nueva faceta de su poliédrica personalidad; nos vuelve a sorprender, mostrándonos su fértil universo creativo en nuevos soportes y usando nuevas técnicas. González Romero inicia nueva andadura como grabador, trasladando a la plancha, con buriles y rascadores, sus últimas indagaciones estéticas dentro del proceso que él mismo ha denominado “evolución en arte”, y el resultado, a buen seguro, no dejará indiferente a ningún espectador.
Apoyado en el rigor y la norma de todo buen dibujante formado en las lides de la academia, y avezado en las sólidas normas de la arquitectura y el diseño interior de los espacios, Paco González Romero nos ha brindado, durante su dilatada carrera, diversas lecturas de una misma pasión creadora plasmada en las más diversas temáticas, sobresaliendo, por su especial rotundidad, sus paisajes, bodegones, figuras e interpretaciones de lo sacro.
Hoy, con nuevas técnicas y nuevos soportes, contemplamos los resultados de su concienzuda búsqueda. Ante la visión de las obras cabe decir, en un primer acercamiento, que no estamos, ni mucho menos, ante un pintor “sacro” al uso. Su visión, totalmente anicónica, se identifica en complejos entramados lineales, planos uniformes de color repletos de superposiciones y sutiles veladuras, esquemáticas figuraciones, cromatismos planos que van del fuerte contraste a la poética rima musicalizada, del profundo negro a la luminosidad de los tonos pastel, un dibujo preciso o un estilema, una marca de estilo a modo de firma, símbolo o presencia “escrita” del espíritu creador, que González Romero repite en sus series: tres franjas verticales que se convierten en emblema de la íntima “trinidad” artística del pintor.
Pese a su aparente asepsia, basada en geometrías, planos y signos, sus interpretaciones no están faltas de espiritualidad y, si queremos, hasta cierta “devoción”, pero hablamos de una espiritualidad y una devoción diferentes, que nacen principalmente de la interiorización de las enseñanzas filosóficas, conceptos abstractos y las propias máximas estéticas de las artes, y se expresan mediante símbolos, geometrías puras –en las que, según algunos, reside la perfección de la propia divinidad– y espacios que, pese a su física planitud, crean una espacialidad notable, casi infinita; muy apropiada para servir de fondo a misterios insondables que González Romero escenifica con sus pinceles a través de verdaderos diagramas simbólicos cuya vocación universal subyace en el poder inmutable de las geometrías.

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Primera Exposición de Obra Grafica

ERYK PALL.pdf

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Eryk Pall

ROBERT HARDING OK 2022.pdf

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Robert Harding

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Hilos

Realidades combinadas es una serie de trabajos sobre vidas y asuntos humanos atemporales. Las obras que componen esta muestra se han ido gestando a través de los años, siendo algunas de ellas de mediados de los años noventa. El método seguido para la realización de las piezas parte de una imagen real que intervenida, mediante diversas técnicas, se fusiona con otra imagen para crear una realidad nueva que, con pretendido deseo de perturbar, introduce anomalías que dislocan irónicamente el contenido inicial, en una mezcla de realidades a medio camino entre lo cotidiano y lo absurdo.
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Obra sobre papel, óleo sobre tabla y escultura

Realidades combinadas

La relación entre el hombre y la naturaleza expresada a través del proceso del dibujo ha sido uno de los temas de mi trabajo de manera más o menos esporádica, pero cada vez se va volviendo más recurrente, incluso diría que urgente. En “El ojo y la raíz” el punto de partida es, como tantas veces, una pregunta: ¿Cómo respondemos ante la imagen de un árbol que lleva en pie más de 4800 años? 
He aquí un puñado de respuestas, personales, quizás transferibles, a modo de reflexiones que tratan de explorar esta relación entre lo natural (la raíz, hundida en la tierra y a la vez en el hombre) y lo humano (el ojo que arde ante la compleja visión, el rostro ancestral). 
Porque es en esta mirada hacia fuera, que a la vez nos obliga a volver nuestro rostro hacia dentro, donde se completa el ciclo. 
Nota: 
Ésta exposición se realizará en paralelo con otra muestra; Anábasis en la Escuela de Arte de San Telmo (a partir del 4 de Junio) Dos caras de la misma moneda. 
Javier Roz
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El ojo y la raíz | Javier Roz

El proyecto &#8216;Ceci ce n´est pas du cinema /Esto no es cine&#8217; está realizado sobre películas que se quedaron en rincones de mi cabeza a lo largo de los años. Obras a modo de cartel de película, otras que parten de una frase, un grito, un fragmento o una imagen y que han servido como excusa para realizar una obra que mucho, poco o nada tiene que ver con la esencia de algunas de las películas. Los personajes de estas historias, sus comentarios, sus problemas son los problemas de todos y como decía John Ford de sus películas &#8216;aquí todo es ficción pero todo es verdad. ( Moisés Yagües )
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N'est pas du cinema — Esto no es cine | Moisés Yagües

<div class="expocur-gencont" style="padding-left: 50px; width: 100%;">
<h3 style="float: left; margin-left: 0; width: 100%; padding-bottom: 35px;">HABITANTES DE MOEBIUS</h3>
</div>
&#8216;Ni un bombero, ni siquiera un astronauta supera a un japonés original, así que no queda claro si en esta isla fue el gas que emana permanentemente de sus volcanes el que obligó a sus habitantes a llevar máscaras perpetuas o, por el contrario, alguno de sus habitantes, de carácter similar al que decidió enrollar el arroz en trozos de alga, usar la espada contra el propio vientre o inventar el humor amarillo, decidió distinguir su isla del resto del mundo y proponer lo de las máscaras antes de que los volcanes iniciaran las emisiones&#8217;
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Habitantes de moebius

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Lorenzo Saval

Cualquier ser que no pueda soportar un cambio no debe existir porque sin cambios la vida no podría evolucionar.
El arte al igual que la literatura de ficción está lleno de mutantes, seres que han cambiado su información genética y su apariencia para convertirse en otra cosa.
Quizás los mutantes en el arte no sean tan visibles ni reconocidos como aquellos que se elevan por los aires con poderes excepcionales en el cine de ficción, pero  tienen otros misterios que merecen ser revelados y el collage y elensamblaje han sido su mejor medio de expresión.
Mutantes &amp; Cía es una pequeña muestra de la factoría en la que trabajo desde hace años. En esos hangares de la imaginación donde uno intenta construir otros universos están intercambiando información infinidad de cosas.  Objetos y criaturas del pasado sufren mutaciones constantemente para llegar a un futuro donde puedan ser otra vez reconocidos. Todos tienen sus códigos de conducta definidos en técnicas y materiales, algunos están recortados, otros dibujados, pintados o modelados. Lo demás es genética.
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«Mutantes y cía». Lorenzo Saval

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Interludio para surco y cuerda. Obra gráfica de Fernando de la Rosa.
Dice el DRAE, que interludio procede del latín interludere, jugar a ratos. Para Fernando de la Rosa, que no ha abandonado el sentido lúdico que contagia toda su obra, es con diferencia el pensamiento musical el que articula la composición y el cromatismo, conjugando movimiento y sonoridad en este juego constante en que se desenvuelve, sobre todo su obra sobre papel.
Entre las series de las polinizaciones, pinturas de pequeño formato realizadas hasta 2012, y sus últimas pinturas de 2014, Fernando de la Rosa se ha dedicado por entero a la obra gráfica. Un año de serigrafías y grabados, que ha estampado y editado por vez primera en su propio taller. Un intervalo de tiempo entre pinturas, en el que ha pasado de componer con la base rectora (rítmica) del punto y el cromatismo a hacerlo desde la corriente dinámica (melódica) de la línea.
Con este interludio, Fernando de la Rosa nos invita a compartir sus escarceos con el grabado y la estampa, en las que interviene también pintando manualmente, anticipando de algún modo su camino, andante con brío, hacia la pintura de gran formato.
Ángel María Rojo
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Interludio para surco y cuerda | Fernando de la Rosa

<h3 style="float: left; margin-left: 0; width: 100%; padding-bottom: 35px;">V Encuentro Internacional en Belgrado</h3>
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V Encuentro Internacional en Belgrado

<h3 style="float: left; margin-left: 0; width: 100%; padding-bottom: 35px;">Calle 238</h3>
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Calle 238

Exposiciones

Semiótica del papel. MAY HERMAN

Zona de detención

Sueños y magia

1/299 792 458 s

Vargas-Machuca, Vargas-Machuca

SOBREHILADOS

Rafael Alvarado, Rafael Alvarado

CIELO Y TIEMPO — Rafael Alvarado ( Homenaje a Philip Guston )

Grabados

Canciones sin palabras

Entre dos mundos

TELA

Los Ángeles Nómadas

Lugares Comunes

SESIÓN CONTINUA

MADERA, PAPEL, TIJERA

MAR DE ALBORÁN. Paisajes de la inmigración

I LOVE MOBILE PHONE

Un Cuento de Cine

Stefan Von Reiswitz, Stefan Von Reiswitz

Duendes, Sirenas y Vampiros. Comparsas, motoristas y Caballos. Pájaros, Mitos y otras cosas

Primera Exposición de Obra Grafica

Eryk Pall, Robert Harding, Eryk Pall, Robert Harding

Hilos

Realidades combinadas

El ojo y la raíz | Javier Roz

N'est pas du cinema — Esto no es cine | Moisés Yagües

Habitantes de moebius

Lorenzo Saval, Lorenzo Saval

«Mutantes y cía». Lorenzo Saval

Interludio para surco y cuerda | Fernando de la Rosa

V Encuentro Internacional en Belgrado

Calle 238

José Antonio Diazdel, José Faria, Sebastián Navas, José Ganfornina, Chema Lumbreras, Christian Bozon, José Antonio Diazdel, José Faria, Sebastián Navas, José Ganfornina, Chema Lumbreras, Christian Bozon

Gráfica para una crisis

Gravura en estampa 2007

Nada toca el suelo. tramas

Gravura en estampa 06

Hastío de la amorphía.acteón

Desdoblando el tiempo y la memoria en busca del yo

Francisco Peinado, Francisco Peinado

Dibujo y escultura

Gravura en estampa 05

Regreso a ítaca y otros mitos griegos

«Memoria de la boca»

Javier Roz, Javier Roz

Colectiva de dibujo

Gravura en estampa 2004

Enrique Brinkmann, Ángel Luis Calvo Capa, Óscar Pérez Ocaña, Michele Lehmann, Enrique Brinkmann, Ángel Luis Calvo Capa, Óscar Pérez Ocaña, Michele Lehmann

Obra gráfica

Fondos del Taller Gravura

Gravura en estampa 2003

«Zugfedern»

Paisajes de la memoria

Gravura en estampa 2002

Maquila

De rostros y de historias imaginarias

Selección pinturas y grabados. 2013